La face cachée du marché de l’art contemporain

Arson
19 avr.
6 min de lecture

Dernière mise à jour : il y a 6 jours

Production industrielle, art décoratif, « pop art », galeries touristiques et confusion entre création et produit commercial : que se cache-t-il parfois derrière certaines œuvres présentées comme de l'art contemporain ?

Chaque année, des milliers d'œuvres destinées au marché mondial de la décoration sont produites industriellement. Peintures, sculptures, objets colorés et œuvres dites « pop » circulent ensuite dans des boutiques, des circuits touristiques et parfois dans certaines galeries d'art. Ce phénomène, encore largement méconnu du public, pose une question essentielle : où commence l'œuvre d'art, et où commence le produit décoratif ?

Pour comprendre cette évolution, il faut regarder au-delà des vitrines et s'intéresser aux mécanismes qui structurent une partie du marché de l'art contemporain.

pop art décoratif produit en série en Chine et généré par le marché de l'art des galeries — pop art décoratif produit en série en Asie exposé dans une galerie d’art contemporain

L'industrialisation du marché de l'art décoratif

Depuis plusieurs décennies, une partie du marché de l'art décoratif s'est progressivement mondialisée. Dans certains ateliers, notamment en Asie, des peintures et des objets artistiques sont produits en série afin de répondre à une demande internationale. Abstractions colorées, sculptures décoratives, objets inspirés du « pop art » : ces productions ont souvent des caractéristiques communes — elles doivent être immédiatement visibles, immédiatement compréhensibles et surtout immédiatement séduisantes.

La logique n'est alors plus nécessairement celle de l'atelier d'artiste. Elle devient celle d'un marché mondial capable de produire rapidement des objets correspondant aux goûts supposés du consommateur.

sculptures industrielles décoratives colorées Chinoises, vendues comme pop art dans certaines galeries — Des œuvres faciles! sculptures décoratives colorées vendues comme pop art dans certaines galeries

Dafen Oil Painting Village, symbole de la production mondiale

L'un des exemples les plus connus de cette industrialisation est le Dafen Oil Painting Village, en Chine. Dans ce quartier de Shenzhen, de nombreux peintres travaillent dans des ateliers spécialisés dans la reproduction et la production de tableaux destinés au marché international — reproductions de tableaux célèbres, peintures décoratives, abstractions et commandes destinées à l'exportation y sont produites à grande échelle, chaque année, par centaines de milliers.

Le phénomène est intéressant parce qu'il montre comment une image traditionnellement associée à l'artiste — son atelier, son geste, son savoir-faire — peut devenir une véritable chaîne de production. L'œuvre n'est alors plus nécessairement pensée d'abord comme une recherche artistique : elle peut être conçue comme un objet destiné à répondre à une demande commerciale précise.

peintres travaillant dans Dafen Oil Painting Village en Chine, centre de production de tableaux pour le marché mondial — Peintres travaillant dans **Dafen Oil Painting Village en Chine**, centre de production de tableaux pour le marché mondial

Le phénomène des galeries touristiques

Cette évolution est particulièrement visible dans certaines villes fortement fréquentées par les touristes. Dans les centres historiques de villes comme Saint-Paul-de-Vence, Honfleur, Venise ou Barcelone, les galeries et commerces liés à l'art côtoient naturellement les circuits du tourisme culturel. Le touriste dispose de quelques minutes pour regarder une vitrine : il faut donc attirer son regard immédiatement. Une sculpture monumentale, très colorée, reconnaissable au premier coup d'œil, possède naturellement un avantage commercial — elle se photographie facilement, elle se comprend rapidement, elle peut devenir un souvenir qu'on transporte et qu'on intègre dans un intérieur contemporain.

À Honfleur par exemple, cinq galeries appartenant à la même famille se partagent les rues du centre historique — la même famille est également présente à Saint-Paul-de-Vence, à Cannes, et un peu partout dans le monde. Un phénomène d'autorité empruntée qui, à force de se répéter d'une ville à l'autre, finit par ressembler à une évidence.

Le problème n'est évidemment pas qu'une œuvre soit décorative — une œuvre d'art peut parfaitement être belle, colorée, amusante ou destinée à prendre place dans un intérieur. La question est ailleurs : quelle est la nature réelle de l'objet que l'on achète ? Le visiteur pense-t-il acquérir une œuvre créée par un artiste, ou achète-t-il un objet décoratif produit pour répondre aux attentes d'un marché touristique ? La différence peut être considérable.

Ce phénomène ne signifie évidemment pas que toutes les galeries touristiques fonctionnent de cette manière, ni que toute œuvre décorative est dépourvue de valeur artistique. Il révèle simplement une évolution d'une partie du marché : lorsque l'œuvre doit avant tout répondre aux attentes du consommateur, la logique commerciale peut finir par prendre le dessus sur la recherche artistique.

Sculptures "pop art" en direct de Chine, vendu dans beaucoup de galeries Françaises — Voila du "pop art" en direct de Chine, vendu dans beaucoup de galeries en Europe

La galerie, l'artiste et le produit

Traditionnellement, la galerie joue un rôle essentiel dans le monde de l'art : elle découvre des artistes, défend leur travail, accompagne leur carrière et présente leurs œuvres à des collectionneurs. Mais il existe aussi des circuits commerciaux dans lesquels la logique peut être très différente. L'objet est produit en amont. Il est ensuite sélectionné, présenté, mis en scène et associé à un discours permettant de lui donner une identité artistique.

Le vocabulaire employé participe alors à cette transformation, et possède à lui seul une véritable valeur commerciale : il peut suffire à changer la perception d'un objet. C'est là que se situe l'une des grandes ambiguïtés du marché actuel — un objet peut avoir l'apparence d'une œuvre d'art sans être né d'une véritable démarche artistique.

La confusion entre prix et valeur

C'est peut-être là que se trouve le véritable problème. Notre époque confond facilement deux notions pourtant très différentes : le prix et la valeur. Le prix appartient au commerce. La valeur artistique appartient à l'histoire, à la culture, à la sensibilité et à l'esprit humain. Une œuvre peut être chère sans être importante. Une autre peut être peu connue et posséder pourtant une immense valeur artistique.

La valeur d'une sculpture ne se résume donc ni à son matériau, ni à sa taille, ni à son prix, ni à la signature apposée dessus. J'explore cette question plus largement dans cette page consacrée à la valeur d'une sculpture contemporaine.

L'étiquette ne fait pas l'œuvre

Il suffit parfois d'une étiquette pour modifier complètement la perception d'un objet. « Pop art ». « Art contemporain ». « Artiste émergent ». « Série limitée ». Mais une œuvre ne devient pas une œuvre d'art simplement parce qu'on lui attribue un vocabulaire artistique. Une signature ne crée pas une démarche. Une galerie ne crée pas nécessairement un artiste. Un prix ne crée pas une valeur artistique.

Une œuvre véritable naît d'abord d'une intention, d'une recherche, d'une vision et d'une nécessité de créer. Elle peut ensuite rencontrer un public, une galerie, des collectionneurs et un marché. Mais le marché ne devrait pas être ce qui lui donne son existence.

Ce qu'est réellement une œuvre

L'histoire de l'art est faite de ruptures. Au XIXᵉ siècle, des artistes comme Manet, Monet ou Cézanne ont affronté les institutions et les conventions de leur époque. L'impressionnisme, puis les grandes révolutions artistiques du XXᵉ siècle, ont montré que l'art ne progresse pas simplement en répondant aux goûts du marché — il progresse lorsque des artistes prennent le risque de chercher autre chose.

Aujourd'hui, le problème est différent. L'art n'est plus seulement confronté aux académies ou aux institutions. Il est aussi confronté à l'immense puissance du marché et de l'industrialisation. Lorsque tout devient reproductible, immédiatement disponible et destiné à satisfaire une demande, la création artistique risque de devenir elle-même un produit parmi les autres. Et lorsque tout devient marchandise, créer peut parfois devenir une forme de résistance.

Un sculpteur contemporain face au marché

Certains artistes choisissent de rester indépendants de ces logiques industrielles. C'est notamment le cas d'Arson, sculpteur contemporain français. Dans son atelier, la sculpture demeure d'abord une recherche personnelle. Les sculptures contemporaines d'Arson ne sont pas pensées comme des objets destinés à répondre à une tendance décorative ou à une demande touristique : elles naissent d'un travail sur les formes, les symboles, leur transformation et leur disparition. C'est cette liberté qui permet encore à la sculpture contemporaine d'être autre chose qu'un simple objet destiné à remplir un espace.

Art ou décoration ?

La question n'est finalement pas de savoir si une sculpture est belle. Elle n'est pas non plus de savoir si elle est colorée, spectaculaire ou décorative. La véritable question est : pourquoi cette œuvre existe-t-elle ? Est-elle née d'une recherche artistique ? D'une vision ? D'une nécessité de créer ? Ou a-t-elle été conçue avant tout parce qu'un marché avait besoin d'un produit correspondant à une tendance ?

Entre les deux, la frontière peut parfois être difficile à voir. C'est précisément pour cette raison qu'il est important de regarder derrière la vitrine, derrière l'étiquette et derrière le prix. Car une œuvre d'art n'est pas seulement ce que l'on voit. C'est aussi ce qui l'a fait naître.